OBITUARIOS: 2016, EL AÑO EN QUE LA MÚSICA SE QUEDÓ (CASI) SIN HÉROES

Standard

Publicado en Revista Madhouse el 31 de diciembre de 2016

Hace unos años, en ocasión de la muerte de un determinado músico de rock (y el cual resulta imposible recordar entre los tantos que partieron a lo largo del último lustro), un crítico de música británico se preguntaba en un artículo: “¿Entonces qué sucede cuando aquella vieja frase que dice ‘vive rápido, muere joven’ pasa a convertirse en ‘envejece y muere lentamente’?” Dicho crítico debería estar más que agradecido por haberle tocado formularse la inquietud hace unos años y no en este bendito 2016 que ya se nos va, que eventualmente terminó batiendo todos los récords en lo que a desapariciones físicas anuales en el rock u otros géneros populares de la música, y enseñándonos que, por más inmortales que podamos considerarlos, tienen la fecha de vencimiento tan asegurada como cualquiera de nosotros.

Un 2016 que tuvo un comienzo devastador con la muerte de una de las figuras artísticas más destacadas de todos los tiempos y que, contra todos los pronósticos y los deseos más optimistas de parte de los que pidieron un cambio de rumbo, mantuvo un ritmo de bajas que continuó hasta el mismísimo final de año, donde prácticamente no pasó semana sin la partida de algún que otro músico que decidió decir adiós para siempre, si bien en muchos de los casos con la única esperanza de mantener cierta perpetuidad asegurada por haber dejado canciones, obras, sonidos, a los que ninguna ley de la vida podrá ponerle fin. Después de todo, la música sí es inmortal. Y eso para nada es poca cosa.

screen-shot-2015-08-31-at-2-56-53-pm
El genial David Bowie siempre estuvo a la vanguardia: por desgracia, también lo está en esta lista

ENERO

enero-stigwood
Robert Stigwood, de camisa rayada, junto a los Bee Gees

4: Robert Stigwood, emblemático manager de los Bee Gees y Cream antes de convertirse en productor destacado de varios filmes y musicales (“Jesus Christ Superstar”, “Hair”, “Saturday Night Fever”, “Grease”, entre otras). Stigwood fue también quien convenció a The Who de abandonar el sello Brunswick Records y grabar su hit “Substitute” para su sello Reaction Records.

8: Otis Clay, intérprete de soul, blues y gospel, muerto en Chicago a los 73 años, a causa de un ataque al corazón.

10: David Bowie. Acaso el más significativo de todos los decesos ocurridos, impensable desde el vamos y aún imposible de asimilar a punto de cumplirse su primer aniversario. Bowie decidió partir rodeado de sus familiares más íntimos en la ciudad de New York tras una durísima lucha contra el cáncer de hígado que se extendió por 18 meses, y sólo dos días después de su cumpleaños número 69.

13: Giorgio Gomelsky, quien fuera el primer manager de los Yardbirds y los Rolling Stones (además de ser dueño del legendario Crawdaddy Club londinense, donde los Stones dieron algunos de sus primeros pasos), víctima fatal del cáncer a los 82 años

14: El guitarrista Kevin Lawrence, en cuya banda Rapidfire solía cantar Axl Rose.

17: El baterista Terence Dale “Buffin” Griffin, miembro fundador de Mott the Hoople, víctima del Mal del Alzheimer, la cual le impidió participar de la gira reunión del 2009 de la banda del mítico Ian Hunter.

LIVERMORE, CA - DECEMBER 6: Paul Kantner of the Jefferson Airplane at The Altamont Speedway on December 6, 1969 in Livermore, California. (Photo by Robert Altman)
Paul Kantner tocando en Altamont, allá por 1969

18: Glenn Frey, el histórico frontman de los Eagles, tras lidiar con la artritis, coloitis ulcerosa y una fuerte neumonía. Frey tenía 67 años.

24: Jimmy Bain, el recordado bajista de Rainbow y Dio, y hasta su muerte integrante de Last In Line, grupo que incluía a los músicos que habían tocado en los dos primeros trabajos solistas del ex vocalista de Black Sabbath.

28: Signe Anderson, quien fuera parte de los californianos Jefferson Airplane en épocas de su disco debut de 1966. Coincidentemente la cantante murió el mismo día que su colega de banda Paul Kantner.

28: Paul Kantner, miembro original de Jefferson Airplane, pionero del rock psicodélico de finales de los 60 y más tarde integrante de Jefferson Starship, tras sufrir un ataque cardíaco.

 

FEBRERO

 4: Maurice White, miembro fundador, cantante y compositor principal de Earth, Wind & Fire, a los 74 años, tras luchar contra el Mal de Parkinson por más de tres décadas.

febrero-maurice-white
Maurice White, un frontman inolvidable

6: Dan Hicks, una de las figures principales de la escena del country, el swing y el bluegrass, miembro de Hot Licks, víctima de un cáncer de garganta a los 74 años de edad. Y en cuyo album “Beatin’ The Heat”, lanzado en 2000, contó con la participación de grandes figuras tales como Tom Waits, Elvis Costello, Brian Setzer y Rickie Lee Jones.

17: Denise Matthews, cantante y estrella pop canadiense (más conocida por su nombre artístico Vanity), recordada “protegida” de Prince en la década del 80, fallecida en Freemont, California, a los 57 años de edad.


MARZO

marzo-george-martin
George Martin les muestra a los Fab Four algo que tiene
que ver con tocar una guitarra, a juzgar por su gesto

8: George Martin, generalmente descripto como “el quinto Beatle”, murió pacíficamente habiendo cumplido los 90 años en su hogar en Coleshill, Inglaterra. Martin les consiguió a los Beatles su primer contrato discográfico en 1962, para luego trabajar junto al grupo desde su primer single “Love Me Do” hasta su último disco “Abbey Road”, antes de convertirse en productor de artistas como Cheap Trick, America, Elton John y Beck, entre muchos otros.

11: Keith Emerson, tecladista del trío de rock progresivo por excelencia Emerson, Lake and Palmer, quien fue encontrado muerto en su residencia en Santa Monica, Los Angeles, tras haberse disparado con un arma que solía guardar para protegerse.

22: Phife Dawg. Rapero estadounidense fundador del grupo A Tribe Called Quest, sucumbió a los 45 años de edad tras padecer diabetes tipo 1 a lo largo de varios años.


ABRIL

prince-477471283
Prince, una de las desapariciones más sorpresivas de 2016

2: Leandro “Gato” Barbieri, el legendario saxofonista argentino de jazz, que a sus 83 años falleció en un hospital neoyorquino víctima de una neumonía. El Gato había obtenido un  Grammy en 1973 tras componer la banda de sonido de la película “El Ultimo Tango En París”·

6: Merle Haggard, figura inverosímil del country (eternamente admirado por artistas como Johnny Cash, Keith Richards o Bob Dylan, entre muchos otros), que murió a la edad de 79 años (exactamente el día de su cumpleaños) en su casa de California, a causa de una neumonía.

6: Dennis Davis, baterista que logró importantes contribuciones en todos los álbumes que David Bowie registró en 1975 y 1980, de “Young Americans” a “Scary Monsters”.

21: Prince, el “genio de Minnneapolis”, y una de las figras más prolíficas, creativas, influyentes y excéntricas que el mundo conoció, tras perecer ante una sobredosis de un opiáceo conocido como fentanyl en su casa y estudio Paisley Park, Minnesota, a los 57 años de edad.

21: Lonnie Mack, guitarrista pionero del blues, que supo ser una de las principales influencias de Stevie Ray Vaughan, Duane Allman o Eric Clapton, entre otros. Mack murió por causas naturales en Nashville, Tennessee.


MAYO

nickmenza
Nick Menza, otro que también sorprendió con su partida

14: Tony Barrow, el agente de prensa de los Beatles que acuñó el célebre término “Fab Four” para los muchachos de Liverpool, falleció en su casa de Morecambe, Inglaterra. Había llegado a los 80 años sólo tres días antes.

21: Nick Menza, baterista de Megadeth, que con apenas 51 años falleció durante un concierto junto a su banda Ohm tras sufrir una convulsión.

30: Juan “Locomotora” Espósito se fue en esta jornada víctima de un cáncer de próstata. Talentoso e inolvidable, se destacó como baterista de El Reloj, una de las primeras bandas pesadas del continente y uno de los primeros en usar el doble bombo. Al respecto, en el documental “Sucio Y Desprolijo”, que recorre la historia del metal argentino, contó la anécdota de que los técnicos no solían ponerle micrófono a uno de los bombos a la hora de grabar porque pensaban que lo llevaba de repuesto… Fue baterista de Pappo, Almafuerte, Lovorne (la banda del hijo de Pappo) y otros grandes artistas.


JUNIO

3: Dave Swarbrick, violinista y compositor de la legendaria banda de folk inglesa Fairport Convention, a causa de un enfisema.

14: Henry McCullough, quien fuera guitarrista en algunos de los primeros trabajos de Wings. McCullough también fue miembro de Spooky Tooth y la Joe Cocker’s Grease Band. Murió a los 72 años.

ricky-rua
Ricky Rúa, brillando en Los Brujos

16: Ricky Rúa, una de las voces de Los Brujos, y ex baterista de El Otro Yo, tras luchar con una larga enfermedad. Rúa fue uno de los miembros fundamentales de lo que se conoció como “movida sónica”, y también fue parte del retorno a los escenarios de la banda en 2014.

21: Wayne Jackson, trompetista de los legendarios Memphis Horns, quien participó en discos de Otis Redding, Elvis Presley, Al Green, Dusty Springfield, etc.

28: Scotty Moore, figura clave de los más tempranos orígenes del rock’n’roll, guitarrista principal de los primeros años de Elvis Presley, a los 84 años.


JULIO

6: Danny Smythe, baterista de los Box Tops, que registro “The Letter” junto a Alex Chilton, que fuera canción número 1 del verano de 1967.

16: Alan Vega, voz de la banda protopunk Suicide. Murió mientras dormía, a los 78 años de edad.

17: Héctor Ayala, uno de los integrantes del dúo acústico argentino Vivencia, que dejara una marca ideleble en los albores del rock nacional allá por los lejanos ’70, tras lidiar una dura lucha contra el mal de Parkinson.

21: Lewie Steinberg, bajista original de las leyendas del soul Booker T. & the M.G.’s junto al organista Booker T. Jones, el guitarrista Steve Cropper y el baterista Al Jackson, Jr., banda clave de la cuna del sello Stax.

26: Sandy Pearlman, uno de los productores más celebrados de la historia del rock, quien trabajó con The Clash, Dictators y Blue Oyster Cult, a los 72 años de edad.


AGOSTO

 17: Preston Hubbard, bajista de los maravillosos The Fabulous Thunderbirds durante sus años dorados. Hubbard tenía 63 años.


22: Gilli Smyth, cantante y poeta de los primeros tiempos del grupo Gong, a los 83 años de edad.

22: Toots Thielemans, quien falleció a los 94 años. Uno de los más famosos armonicistas de session, Thielemans dejó su sello característico en hits como “Too Late For Goodbyes” de Julian Lennon, o “Leave A Tender Moment Alone” de Billy Joel.

 

SEPTIEMBRE

1: Leonard Haze, el baterista original de Y&T, quien falleció a la edad de 61 años.

2: Jerry Heller, que trabajó en el negocio de la música durante seis décadas, falleció a los 75. Fue agente de Creedence Clearwater Revival y el promotor de las primeras giras estadounidenses de Elton John y Pink Floyd. También trabajó con Crosby, Stills, Nash & Young (y derivados) y los Guess Who, además de Black Sabbath y The Who.

prince-buster-2-2
Buster he sold the heat/ with a rock steady beat…

8: Prince Buster, cantante, compositor, productor y cantante pionero de la escena del ska jamaiquino.
OCTUBRE

pete-burns
Pete Burns dejó un legado breve, pero intenso

 18: Phil Chess, fundador junto a su hermano Leonard del emblemático sello de blues de Chicago Chess Records en 1947, cuyo catálogo incluyó a artistas de la talla de Chuck Berry, Howlin’ Wolf, Muddy Waters, Willie Dixon o Bo Diddley, por nombrar algunos. Chess tenía 95 años.

23: Pete Burns, el excéntrico cantante y frontman de Dead Or Alive (luego devenido en personalidad de la TV británica), a causa de síntomas cardíacos, y con sólo 57 años de edad.


NOVIEMBRE

4: Eddie Harsch, tecladista y pianista de The Black Crowes desde 1991 hasta 2006.

leonard-cohen-essential-song-list-225fa8fa-d261-4ac8-863a-18e1fee79df1
Cohen y su inconmensurable talento, otra gran pérdida de 2016

7: Leonard Cohen, uno de los principales cantantes y letristas de todos los tiempos, que al igual que David Bowie adelantó su partida con “You Want It Darker”, su último trabajo de estudio y el más largo de sus adioses personales. El autor de “Suzanne” falleció en su casa de Los Angeles a los 82 años de edad, víctima del cáncer y de un accidente casero.

13: Leon Russell, notabilísimo multinstrumentista y compositor que, entre tantos (y son realmente muchos), supo colaborar con Elton John, los Roling Stones y Joe Cocker. Entre otos clásicos, Russell compuso “A Song For You” o “Lady Blue”. Falleció mientras dormía, con 74 años.

20: Craig Gill, baterista de los Inspiral Carpets (banda embrionaria de la movida de Manchester, o “Madchester”, como solía conocerse). Tenía 44 años.


DICIEMBRE

diciembre
Lake, Michael y Parfitt, tres de los que nos dejaron en diciembre

7: Greg Lake, cantante, guitarrista, bajista, compositor y productor, miembro de Emerson, Lake and Palmer, con cuya muerte se fue la segunda tercera parte del trío en cuestión de meses, tras librar una extensa batalla contra el cáncer que padecía.

23: Michael Landauer (también conocido como Mick Zane), uno de los miembros fundadores de la banda de heavy metal Malice, a causa de un tumor cerebral..

24: Rick Parfitt, el eterno guitarrista rítmico de los no menos eternos Status Quo, que a sus 68 años partió la noche de navidad tras ser internado en un hospital de Marbella, España a causa de una infección severa en un hombro, luego de un accidente.

25: George Michael, ex cantante del celebradísimo dúo inglés Wham!, artistas emblemáticos del pop de los 80, antes de convertirse en uno de los más simbólicos vocalistas de soul blanco a lo largo de su carrera solista. Michael falleció debido a una aparente falla cardíaca (aún debe determinarse la causa exacta de su muerte), con apenas 53 años de edad.

25: Alphonse Mouzon, baterista americano de jazz de fusión, además de compositor, arreglador y productor. Entre docenas de grandes artistas, tocó con Stevie Wonder, Eric Clapton, Jeff Beck, Carlos Santana, Patrick Moraz, Betty Davis y Chubby Checker. Incluso Robert Plant lo citó como uno de los músicos americanos más influyentes en la música de Led Zeppelin.  Murió a los 68 años en Granada Hills, California, tras haberle sido diagnosticada una rara forma de carcinoma.

Advertisements

MUESTRAS: VIMOS BOWIE/COLLECTOR EN LONDRES, LA COLECCIÓN DE ARTE DEL DUQUE BLANCO

Standard

Publicado en Revista Madhouse el 21 de diciembre de 2016

A pocas semanas de cumplirse el primer aniversario de una muerte que sacudió al planeta como pocas en un año por demás simbólico en cuanto a lo que a la desaparición física de nombres clave de la historia de la música se refiere, la figura de David Bowie continúa manteniendo viva su eterna presencia enigmática, aquella de objeto de fascinación permanente. La misma que le ha permitido a uno de los más singulares artistas que el mundo recuerde proyectar su tantas veces mencionada condición “camaleónica” a lo largo y ancho de su carrera, para terminar dándose cuenta que su leyenda ya no podía agigantarse más y que sólo podía crecer en meses desde su muerte, dejando en claro que la calidad en todas las actividades a las que supo dedicarse también podía extenderse a otros aspectos, entre tantos (y son muchos) el de coleccionar arte, algo que siempre se ocupó de mantener bien lejos de la mirada pública.

portada-custom
La vidriera de Sotheby’s anunciando la muestra. Lo que se dice sobriedad.
img_5157-custom
La obra de Damien Hirst junto a Bowie, titulada “Beautiful, Hallo, Space-boy Painting” (1995)

Y si bien el coleccionar obras de arte representó otro de los varios aspectos de su capacidad sin límites, paralelamente a la música, a la escritura, o a la pintura, también se trató de una actividad en la que ni su fama ni su éxito tuvo algún tipo de influencia: todo lo que necesitaba era tener conocimiento vasto sobre el tema. Alguna que otra vez daría una entrevista en la que se refería a sus artistas plásticos favoritos (muchos de ellos rescatados de la oscuridad absoluta), aunque siempre se trató de una pasión absolutamente privada.

damien-hirst-untitled-fish-for-david-custom
Damien Hirst y su obra contradictoriamente titulada “Untitled Fish For David”
damien-hirst-untitled-fish-for-david-2-custom


Por tal motivo el 1º de noviembre p.pdo. se puso en marcha la exhibición
“Bowie/Collector” en la galería Sotheby’s de Londres, en rigor una lograda muestra de buena parte de las piezas de arte y diseño que Bowie acumuló a lo largo de su existencia, con más de 400 artefactos personales ricos en diversidad, los que todo admirador de su carrera pueda imaginar, abriendo así otra de las ventanas de su mente y ofreciendo no sólo las formas de arte que lo inspiraron, sino también aquellas que hablan tanto de él que eventualmente gastó millones en obtenerlas.

img_5171-custom

basquiat1-custom
Jean-Michel Basquiat, “Untitled” (1984)
img_5161-custom
Posmodernismo naranja en la muestra. La máquina de escribir portátil con su caja al lado se llama “Valentine” (1969) y pertenece a Ettore Sottsass y Perry King. Los dos cubos son una radio portátil llamada “Cube – Radio Model No. TS 502” (1963), autoría de Marco Zanuso y Richard Sapper.

La primera cosa con la que uno se topa al ingresar al distinguido predio situado en la New Bond Street, tras serle obsequiado un display a todo color en papel de alta calidad con el mapa de la exhibición como así también muestras gratuitas en miniatura que reproducen algunas de las obras expuestas, es el único objeto que parece guardar relación directa con la música, es decir el tocadiscos retro-futurista de Bowie de 1966, para la ocasión rodeado no de vinilos sino de un grupo de pinturas modernas costosísimas, incluyendo una del no menos caro Damien Hirst (la figura prominente del arte inglés de la década del 90) y la única de la exposición en la que Bowie participó directamente, antes de encontrarse con “Air Power”, pieza del recordado artista de graffiti (y más tarde, pintor) Jean-Michel Basquiat que, al igual que todas las obras presentes, serían subastadas unos días después al mejor postor. Pero por supuesto hay mucho más por descubrir a través de las ocho salas que ocupa “Bowie/Collector”.
portada2-custom
La mesa se titula “Burgundy”, by Michele De Lucchi. La lámpara se llama “Astor” y pertenece a Thomas Bley, ambos del grupo Memphis.
fanagalo-store-de-norman-catherine-detalle-custom
“Fanagalo Store” de Norman Catherine (fragmento)
fanagalo-store-de-norman-catherine-custom
“Fanagalo Store” (completo)

Paseándose por la galería uno puede encontrarse con un retablo (o, según reza al diccionario, “la estructura arquitectónica, pictórica y escultórica que se sitúa detrás del altar en las iglesias católicas”), en este caso proveniente del siglo XVI, y que muestra a Tintoretto (figura clave de la escena de Venecia de ese siglo) trabajando en su estudio, o con un ángel alertando a la reina virgen Santa Catalina de Alejandría sobre su inminente martirio, más obras de Graham Sutherland, David Bomberg, Henry Moore, Patrick Caulfield, Eduardo Paolozzi, Leon Kossoff o Frank Auerbach, entre tantos, y destacándose un grupo de obras del característico Marcel Duchamp, a quien Bowie solía citar como una de sus mayores influencias.

marcel-duchamp-custom
“Nude Descending A Staircase Nº 2” (1937) by Marcel Duchamp, uno de los artistas favoritos de Bowie.
img_5180-custom
img_5151-custom
La alfombra se titula “Riviera” (1983) y su creadora fue Nathalie Du Pasquier. El sillón es el “Bel Air” de Peter Shire, que data de 1982
“EL ARTE HA SIDO, SERIAMENTE, LA ÚNICA COSA QUE SIEMPRE QUISE TENER. SIEMPRE FUE PARA MÍ UN ALIMENTO PERMANENTE. LO USO. PUEDE CAMBIAR LA FORMA EN LA QUE ME SIENTO POR LA MAÑANA. UNA MISMA OBRA PUEDE CAMBIARME DE MODOS DIFERENTES, SEGÚN AQUELLO POR LO QUE ESTÉ ATRAVESANDO” – DAVID BOWIE EN THE NEW YORK TIMES, 1998.

“Bowie/Collector” también permite revelar la relación de Bowie con Memphis, un grupo colectivo radical de diseñadores con base en Milán dirigido por el arquitecto Ettore Sottsass, quien supo revolucionar el mundo del diseño industrial en la década del ’80, con más de cien piezas -obras más, obras menos- de su colección privada, tan ecléctica como la personalidad de quien alguna vez aseguró que “seriamente, el arte fue lo único que siempre quise poseer. Puede cambiar la forma en que me siento en las mañanas”, ahora por primera vez exhibida ante los ojos de los admiradores de uno de los artistas más creativos del siglo.

tocadiscos-custom
El célebre tocadiscos titulado “Radio-Phonograph Model No. RR126” (1966) de Achille & Pier Giacomo Castiglioni. El cuadro de fondo es “Foyer” (1973), de Paul Caultfield
si-la-queres-incluir-custom
El autor de esta nota en la puerta de Sotheby’s, intentando pasar por otra obra de arte

img_5087-custom

Fotos: © Marcelo Sonaglioni

CONCIERTOS: VIMOS AL LEGENDARIO IAN HUNTER EN LONDRES Y VIVIMOS PARA CONTARLO

Standard
Publicado en Revista Madhouse el 14 de noviembre de 2016

IAN HUNTER & THE RANT BAND en el O2 Shepherd’s Bush Empire, Londres, Inglaterra, 11/11/2016

“Espero que la hayan pasado bien, tan bien como yo”. Sonaba “Life”, la penúltima canción del show antes del gran final con “All The Young Dudes”, y es entonces cuando uno concluye que no puede (ni debe) existir una mejor estrofa para definir el cierre de una velada inolvidable de manos de una de las más grandes leyendas vivas de la historia del rock británico, y que ahora, casi dos horas después de que Ian Hunter y la Rant band tomaran por asalto el escenario, lograba responder todos los porqués posibles de semejante momento épico ante la audiencia allí presente.
Claro que para ser parte de semejante ceremonia uno antes tendrá que tomarse un bus desde su lugar actual de residencia circunstancial en Hemel Hempstead, algo más de 40 km. al norte de la capital británica y de aquellos lugares donde el auténtico sabor del folklore local fluye en todos y cada uno de los momentos. Luego, tras casi 120 minutos de viaje hasta la histórica estación central londinense de Victoria, habrá que tomarse un bus hasta el bureau de Hammersmith and Fulham, para finalmente aterrizar en el legendario Shepherd’s Bush del oeste de la ciudad y poder ver al mítico Ian Hunter a escasos tres metros de distancia en un show extremadamente íntimo.

QUE LOS NÚMEROS SE APIADEN DE NOSOTROS. Es que, a sus 77 años, Hunter -con sus clásicos, eternos lentes negros que jamás abandonará durante todo el concierto, chomba Penguin, zapatillas y pantalones ceñidos- ya sabe perfectamente lo que sus fans quieren y se siente feliz al dárselo en un show que mezcló canciones de su flamante disco de estudio “Fingers Crossed” lanzado en septiembre pasado (que incluye su anticipado homenaje a a David Bowie con la canción “Dandy”), otras de sus muchos trabajos en solitario y, claro, aquellos clásicos de la era dorada del glam junto a Mott The Hoople. Y es por eso que quizás no haya resultado sorpresivo que promediando la tercera cancion de la noche, tras lograr despegar a la audiencia de sus asientos con el rock’n’roll perfecto de “Once Bitten, Twice Shy” (la cual muchos tal vez recuerden mejor gracias a la versión que hace un par de décadas grabara Great White), Hunter decida descolgarse la guitarra acústica y sentarse al piano, para luego pasar buena parte del resto de la velada explotando lo mejor de su brillante catálogo.

CAZADORES Y DUQUES. Desde versiones de “Sweet Jane” de Velvet Underground, que originalmente abrió el insigne album “All The Young Dudes” de Mott de Hoople alla por 1972), las canciones del flamante “Fingers…” de Hunter con la Rant Band como la que titula al disco, “That’s When Trouble Starts”, el mencionado homenaje a Bowie con “Dandy”, “Bow Street Runners” o “Ghosts”, sin dejar de lado el infaltable tributo al grandioso Mick Ronson con “Michael Picasso”, o la clasiquisima “All The Way From Memphis”, otra de las perlas de Mott de 1972, la de aquella historia del músico cuya guitarra es despachada a Baltimore en vez de Memphis. 
img_5949-large
Y ahora sí, el grand finale con “All The Young Dudes” directo de la pluma de (otra vez) David Bowie, y sin la cual el derrotero de Hunter y su saga junto a Mott The Hoople a través de todos estos años tal vez no hubiera sido el mismo, pero tampoco hubiera evitado el florecimiento del enorme talento de uno de los más memorables compositores y artistas de su especie, el mismo que no parece haber perdido un ápice de su voz original, casi como si el tiempo no hubiera pasado. Todo mientras Hunter se permite extender las dos horas de show originales convocando a subir al escenario a Graham Parker (quien antes habíaa oficiado de telonero) para realizar a dúo apenas dos estrofas de “Goodnight Irene” de Leadbelly ante la ovación imparable de los que nos acercamos hasta el Shepherd’s Bush Empire para archivar en nuestro arcón de recuerdos una noche mágica, memorable, pero con los pies bien sobre la tierra.

img_6036-large 
 

DAVID BOWIE (1947-2016) | ZIGGY EN EL CIELO

Standard

Publicado en Evaristo Cultural el 11 de enero de 2016

Son las 4 y algo de la madrugada de este lunes 11 de enero. Cualquier hora o momento es malo para enterarse que falleció David Bowie. Hay cierto escepticismo del que uno es presa en estos tiempos de noticias rápidas. Ese ritmo de noticias que se atreve a querer pasar por natural, común y cotidiano no termina de convencer, por lo que muchas veces resulta inevitable someterse a no creer en todo lo que se lee por ahí. Y todavía me lo permito, mientras escribo, a menos de media hora de encontrarme con tan tremendo anuncio. La noticia es devastadora. No sólo por el contenido en sí, sino además por la convalidación de lo que se venía rumoreando. Lo confirmó su propio hijo: Bowie perdió la partida tras batallar durante 1 año y medio contra el cáncer. Sí, esa puta enfermedad, la más mala de todas. Así que uno escribe lo que le sale. Lo que le sale sobre uno de los artistas y estrellas de rock definitivos. ¿Es que acaso hace falta aclararlo? La noticia sigue calando hondo y el síndrome de la hoja en blanco está como nunca. Apelo una vez más a la posibilidad del “falso rumor”, pero no hay chance. Ya ha pasado más de 1 hora desde que comenzó a circular la noticia y a nadie se le ocurre desmentirlo. Para colmo de todos los males no han transcurrido ni siquiera dos días desde que se editó su nuevo álbum Blackstar, que venía a cortar un hiato discográfico de 3 años, lanzado el mismo día que se conmemoraba su cumpleaños 69, y que constituía una celebración demasiado ansiada pos sus amantes. Casi siete décadas durante las que, desde el inicio de su carrera, Bowie llegó para convertirse en el emperador supremo de la combinación de los géneros musicales y la teatralidad, el último de los modernos, el Picasso del pop. Alguien como quien no habrá otro igual. La pérdida es demasiado inmensa como para seguir insistiendo en explicar esto de los sentimientos. El camaleónico artista que en tantas ocasiones se reinventó cambia de color una vez más, y es un luto demasiado grande que sólo la luz de su arte, incalculable y lejos de toda posible descripción gráfica, se encargará de disipar con el paso del tiempo.
Que Dios te bendiga, David…

 

DAVID BOWIE : CINCO CAMALEÓNICOS AÑOS

Standard

Publicado en Evaristo Cultural el 16 de julio de 2015

En 1976, en ocasión de ser entrevistado para la revista Playboy, David Bowie declaró, “Ya hice lo que tenía que hacer, es un final sin retorno. Nunca más haré discos o giras de rock. Lo último que quiero ser en la vida es un maldito rockero inútil” El momento que eligió para tamaña afirmación marcaba la culminación, casi convencidamente, de los llamados “años dorados” de uno de las más productivos y polifacéticos artistas que el mundo ha conocido, una saga inaugurada desde el folk británico con toques de psicodelia del álbum Space Oddity, y que continuó con The Man Who Sold the World (el primero de sus trabajos “clásicos”), el caleidoscopio musical de Hunky Dory, la conceptualidad de The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders from Mars, el hedonismo de Aladdin Sane, las pesadillas paranoides de Diamond Dogs y el sonidodisco de Philadelphia de Young Americans, hasta el estilo de transición de Station to Station. Bowie, quien además venía sufriendo una serie de traumas personales que comenzaban a afectar su carrera, simplemente no tenías ganas de seguir. Eventualmente siete años jamás podrían haber resultado suficientes para darle rienda a tremenda factoría artística y Bowie, claro, continuó. El resto de la década, como así también las dos posteriores, auspiciarían más trabajos interesantes, si bien no tan esenciales como los que la precedieron, y que lo llevarían a reinventarse continuamente, para lo cual ya se había convertido en un experto inigualable desde su mismísima aparición. Atrás en el tiempo ha quedado el sinfín de veces en que anunció su retiro definitivo, situación a la que tarde o temprano sus fans, y el mundo del espectáculo, terminaron acostumbrándose. Ni siquiera hace algunos pocos años cuando un paparazzi certero lo sorprendió caminando por las calles de New York a la salida de un supermercado, en el más mundano de los mundos, y muy lejos de aquella vida glamorosa en la cual supo destellar como nadie. Su hasta ahora último trabajo original de estudio, el álbum The Next Day, el número 24 en su carrera (y el primero en diez años de inactividad discográfica), lanzado en 2013, levantó algunas controversias, sobre todo a partir de la especulación constante sobre un nuevo abandono de su carrera (y van…), y que trajo aparejado la devoción de algunos de sus seguidores, y las críticas desafortunadas de otros. Con una carrera tan extensivamente prolífica en su haber, resultaría imposible, lo menos, dejar de echar un vistazo atrás. Y es entonces a casi 40 años de aquella declaración para Playboy, que Bowie ahora anuncia la edición de la primera de una serie de cajas retrospectivas, a lanzarse por la compañía Parlophone en el próximo mes de septiembre. Bajo el título de Five Years 1969-1973, la caja incluirá absolutamente todas las canciones editadas oficialmente por Bowie durante aquellos años insignes, sumando nuevas versiones remasterizadas de los álbumes David Bowie (que también se conoció como Space Oddity), The Man Who Sold The World, Hunky Dory y PinUps, así como reediciones de Aladdin Sane y The Rise And Fall Of Ziggy Stardust And The Spiders From Mars (versión remezclada de 2003), más dos discos en vivo (Live Santa Monica ’72 y Ziggy Stardust: The Motion Picture Soundtrack)

Acaso aún más interesante resulte la inclusión de un nuevo compilado doble, Re:Call, y que presenta caras B de singles, tomas inéditas hasta el momento y demás registros que no aparecieron en ninguno de los álbumes oficiales, todo disponibles en 12 CDs, en 13 discos de vinilo, o en versión de descarga digital. Para completar, tanto las ediciones en formato CD o LP (esta vez, en calidad de vinilo de 180 gramos) agregan libros con fotos de archivo, notas de los productores Tony Visconti y Ken Scott, críticas originales de los discos que aparecieron en medios gráficos de la época, y hasta un prólogo escrito por Ray Davies, crédito de los legendarios Kinks. Five Years 1969-1973 aparece al año siguiente del lanzamiento de la primera recopilación en la historia de Bowie que abarca su carrera, Nothing Has Changed, editada en 2014.
A continuación se reproduce el listado de canciones que integrarán Re:Call, el disco de rarezas, caras B y demás perlas mencionado, y que también formará parte de la que sin dudas será la primera de una serie de ediciones de lujo que dejarán saciados a todos los admiradores del Duque Blanco, y de otros de sus diversos alter egos.

CD1:

  1. Space Oddity (versión original en mono)/ 2. Wild Eyed Boy From Freecloud (versión original en mono)/ 3. Ragazzo Solo, Ragazza Sola/ 4. The Prettiest Star (versión original en mono)/ 5. Conversation Piece/ 6. Memory of a Free Festival (Parte 1)/ 7. Memory of a Free Festival (Parte 2)/ 8. All the Madmen (versión en mono, inédita)/ 9. Janine/ 10. Holy Holy (versión original en mono del single editado por Mercury)/ 11. Moonage Daydream (versión del single de The Arnold Corns)/ 12. Hang on to Yourself (versión del single de The Arnold Corns)

CD 2:

  1. Changes (versión original en mono)/ 2. Andy Warhol (versión original en mono)/ 3. Starman (mezcla original del single)/ 4. John, I’m Only Dancing (versión original del single)/ 5. The Jean Genie (versión original del single)/ 06 Drive-In Saturday (versión original del single, lanzado en Alemania)/ 7. Round and Round/ 8. John, I’m Only Dancing (version con saxo)/ 9. Time (versión del single editado en USA)/ 10. Amsterdam/ 11. Holy Holy (versión de los Spiders From Mars)/ 12. Velvet Goldmine