CON DREGEN DE BACKYARD BABIES ANTES DE SU VISITA: “LA MÚSICA BASADA EN GUITARRAS HABLA DE TEMAS MÁS REALES”

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Publicado en Revista Madhouse el 9 de marzo de 2018

Marzo nos trae aparejado no sólo el comienzo del otoño local, sino también la muy interesante primera visita al país de los venerados Backyard Babies. Para recorrer la historia de una de las bandas más emblemáticas de la escena escandinava de los últimos años ante todo hay que primero viajar en el tiempo unos 31 años atrás a la ciudad sueca de Nässjö, en el condado de Jönköping, a poco más de 300 km. de Estocolmo. Fue ahí que en 1987 el guitarrista Dregen, más sus compañeros Tobbe (Tobias Fischer, bajo y voz), el segundo guitarrista Johan Blomqvist y el baterista Peder Carlsson dieron forma al proyecto que, por entonces bajo el nombre de Tyrant, comenzaba a dar los primeros pasos en la escena de un país históricamente dominado por el pop.

Tobbe se alejaría del proyecto algo después para ser reemplazado por el guitarrista Nicke Borg, situación que obligó a Blomqvist a cambiar su instrumento original por el bajo. Así llegaría 1989, y con el nuevo nombre de Backyard Babies, el grupo pondría en marcha su primera gira a lo largo y ancho de su tierra natal, coronada por el lanzamiento de su EP inicial con 5 canciones “Something To Swallow” en 1993, al que se agregaría su primer álbum de estudio “Diesel & Power” al año siguiente, por entonces su mejor tarjeta de presentación del hard rock y punk que los caracterizaba. Los Babies pasarían por un primer receso en 1995. Fue cuando Dregen decidió en forma paralela darle curso a The Hellacopters, dejando de lado el estilo musical del cuarteto para volcarse a un sonido de orden más garage. Dregen retomaría el proyecto de su combo original a partir de 1997 y, con el correr del tiempo, lograr exitosamente establecer a los Backyard Babies como una de las propuestas más originales salidas de las esferas nórdicas, editando hasta la fecha 6 discos más de estudio (desde “Total 13” en 1998 hasta “Four By Four”, su hasta ahora más reciente trabajo, que viera la luz en 2015)

2BABIES EN ARGENTINA. Así las cosas, y a casi tres décadas de su nacimiento, los Babies cruzarán casi medio globo terráqueo para aterrizar en tierras autóctonas y realizar su primer show en el país el próximo sábado 24 de marzo en el Niceto Club como parte de su South American Tour (y la segunda en Sudamérica, tras haberse presentado en Sao Paulo hace 16 años en plena gira del álbum “Making Enemies Is Good”), el mismo que antes los tendrá pasando por Chile y, tras visitarnos, los llevará de vuelta a Brasil. Para la ocasión y deleite de su base de fans local, el cuarteto sueco no estará solo, ya que el evento, que se auspicia será de rock and roll con todas las de la ley, empezará desde mucho más temprano con las participaciones de los locales TurbocoopersShe-Ra (que siguen presentando su primer larga duración de 2016 “A Más No Poder”, y que ya han sabido ser honorables teloneros del ex L.A. Guns Phil Lewis, o más recientemente de Honest John Plain) y Camus, cuyo set seguramente incluirá material de su disco debut “Mandrágora” y también de “Volumen II”, lanzado hace 2 años.
Mientras tanto, y como para amenizar la espera, nos comunicamos con Dregen desde su Suecia natal para hablar de esto y demás tópicos, y de paso volver a repasar la vida y obra de sus delicadamente ruidosos Backyard Babies a días de su primera llegada al país.

Si uno se fija en la historia del pop y el rock sueco, de cierta forma todo se inició después de la Segunda Guerra Mundial con músicos que estaban esencialmente influenciados por el jazz y el rock que llegaba de los EE.UU. e Inglaterra, algo que también ocurrió en otros países. Pero según leí tuvo un comienzo más importante con la escena de la “dansbandsmusik” (Bandas de música bailable) a principios de los 70, y de la cual saldrían artistas como ABBA. Quisiera saber tu opinión sobre esto, y al mismo tiempo preguntarte si creés que ABBA fue importante a la hora de difundir la música popular de tu país alrededor del mundo.
ABBA fue muy importante al poner a Suecia “en el mapa” como país musical, y también fueron los primeros en tener detrás un gran equipo de marketing y gente que trabajaba mucho manejándolos, una compañía grabadora que vio al mundo entero como mercado, y no solamente Suecia. Fuera de todo eso opino que eran grandes compositores de canciones con melodías muy pegadizas. Pero para bandas como la nuestra, o como los Hellacopters, realmente no significaban nada.

Si bien podría mencionarte varias bandas de rock de Suecia, de cierta forma siempre fui de pensar que, no sólo en tu país, sino también en el resto de Escandinavia, el pop de toda esa región siempre logró mayor impacto que el rock. Pero entonces llegaron los 80, el heavy metal comenzó a dominar al mundo y de alguna manera terminó cambiando la escena del rock. Me refiero a bandas como Europe, que de repente se volvieron muy exitosas, lo que más tarde hizo que aparecieran más grupos suecos de rock más clásico como los Diamond Dogs, de pop/rock como The Hives o, nuevamente, otros más orientados al pop como The Cardigans. Y los Backyard Babies, por supuesto. ¿Estás de acuerdo con eso de que el pop siempre fue más grande que el rock en tu país? Y de ser así, ¿cuál creés que fue el motivo que llevó a que resulte ser así?
En general, la música pop siempre va a tener más éxito ya que fue pensada comercialmente, y apuntada a la “masa general”. El rock, el jazz, el blues, el punk y el metal siempre van a tener algo de underground, ya fuere musicalmente como a nivel letras de canciones. La música basada en guitarras generalmente habla de temas más reales y tiene una chispa más rebelde, tiene más actitud sobre todo. Y no es algo que sea para todo el mundo. Pero después hubo artistas que cambiaron un poco todo eso. Por ejemplo, creo que Amy Winehouse es genial. No deja de ser algo comercial, pero con mucha profundidad en sus letras.

3GUNS SHAKES, HANOI ROCKS
¿Que dirías de Hanoi Rocks? Sin dudas ayudaron a difundir el rock escandinavo por todo el mundo como nadie lo había logrado antes. De hecho siempre fui de pensar que Guns N’Roses les copió muchísimas cosas, y de hecho es algo que hasta terminó convirtiéndose en un tema tabú.
Fuck al tabú de todo eso. Me encanta Guns N’Roses, pero sin Hanoi Rocks ni siquiera hubieran llegado a ser una banda. Al menos no en lo que respecta a la imagen de sus primeros años. Hanoi Rocks tuvo un impacto enorme en los Backyard Babies, y no sólo musicalmente. Por entonces mi colección de discos era 99% artistas de Inglaterra o de EE.UU. y, de repente, cuando aparecieron los Hanoi desde Finlandia, pasaron a convertirse en nuestra “estrella brillante del polo”. Y nosotros nos dijimos, “si ellos pudieron hacerlo, también lo podemos hacer nosotros”.

Sos parte de Backyard Babies desde los primeros días del grupo en 1987, cuando aún tenían el nombre de Tyrant. Teniendo en cuenta que ya pasaron muchísimos años desde que se lanzó el EP inicial “Something To Swallow”, y habiendo editado siete discos de estudio después, más uno en vivo, ¿cuáles pensás que fueron los tiempos más difíciles para la banda? ¿Y cuáles los mejores? ¿Considerarías a los Babies como una banda que tuvo muchos altibajos?
Backyard Babies se estableció en 1989 con la misma formación que sigue teniendo hoy día. Y entre 1989 y 1988 tuvimos que luchar mucho para lograr atención, pero siempre fue algo muy divertido. Desde el 98 en adelante pudimos empezar a vivir de la banda, y de ahí en más todo fue 100% grandes momentos. Después llegaron los problemas con las drogas y el alcohol, demasiado trabajo y giras. Entonces decidimos tomarnos un descanso entre 2010 y 2014, y de ahí en adelante volvió a ser todo grandioso.

4La formación del grupo prácticamente no se modificó nunca. ¿Es que acaso se quieren tanto entre ustedes?
(Risas) Realmente no lo sé, supongo que será así. Es más algo como una mezcla de familia y hermanos con un matrimonio sólido. Aún vivimos juntos, pero dejamos de coger…

Volviendo a lo que comentaste hace un rato, en una entrevista que te hicieron recientemente leí que en 2010 la banda estaba “quemada”. ¿Realmente son de trabajar tanto? Sé que es algo que al menos podría decir sobre vos, ya que nunca fuiste parte exclusiva del grupo, sino que además estuviste en los Wildhearts y, por supuesto, con los Hellacopters. Ya que estamos, ¿todavía estás en contacto con Ginger? (N. El líder de The Wildhearts)
Si querés hacer las cosas a tu manera, siempre es trabajo duro. Es así. Nada viene gratuitamente. Sí, Ginger y yo seguimos en contacto. De hecho toque con él en Londres el 17 de diciembre del año pasado en su “Birthday Bash” en un lugar llamado The Garage.

5LOS BEBÉS SIGUEN CRECIENDO
Ya pasaron casi 3 años desde que editaron “Four By Four”, su hasta ahora último disco. ¿Ahora qué viene? ¿Tienen nuevos planes, más allá de seguir de gira?
Sí, vamos a entrar en estudios la semana que viene para grabar un nuevo álbum. Esta vez pensamos hacerlo “parte por parte”, no más de 3 o 5 canciones en cada sesión. Entonces habrá un nuevo single de los Backyard Babies hacia mediados de año, antes del verano europeo, y tenemos la esperanza de que el disco salga antes de fin de año, o a principios del 2019. También va a haber nueva música de los Hellacopters.

No puedo dejar de hacerte la bendita pregunta sobre tus artistas favoritos, ya sean de rock o de otros estilos. ¿Solés tener los mismos gustos musicales que el resto de los Babies?
Cuando se trata de rock o punk, compartimos los mismos gustos. Pero yo soy el único que tiene muchísimos discos de blues, y también algunos de hip-hop. Y Nicke escucha mucha música country.

Estuve en el show de los Stones en Estocolmo en octubre del año pasado, con los Hellacopters de soportes. Creo que hicieron un gran concierto, al menos todo el mundo parecía haberlo disfrutado mucho. ¿Cómo fue la experiencia de abrir para los Stones?
Un sueño de niño que se hizo realidad, y en cada forma posible. Pude conocer a los Stones, y fueron seres humanos increíbles.

Una última pregunta, Dregen. Han pasado 18 años desde que estuvieron por primera vez en Sudamérica, pero en aquella ocasión tocaron únicamente en Brasil. Y después sí estuviste vos en Argentina, pero como miembro de la banda de Michael Monroe. ¿Cuáles son tus expectativas para este primer show de los Backyard Babies en el país?
La primera vez siempre es algo especial. ¡Así que sé que va a ser especial! Tenemos admiradores en Argentina desde hace más de 20 años, y estoy verdaderamente maravillado y agradecido de que hayan sido tan pacientes esperando para que toquemos allí después de todos estos años. ¡Va a ser un auténtico estallido!

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HOMENAJES: MALCOLM YOUNG (1953-2017), ADIÓS AL PEQUEÑO GRAN ROCKER

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Publicado en Revista Madhouse el 20 de noviembre de 2017

Una remera sin mangas, un jean gastado (de esos que lo llevaron a uno a pensar que era el mismo que usaba siempre) y una guitarra que prácticamente superaba los 1,60 m. de estatura de quien estaba colgada. Y mucha actitud, claro, en cantidades industriales. Esos acaban siendo los elementos que, sin mucho más que agregar, podrían definir el ADN de Malcolm Young, la pieza primordial de la maquinaria de AC/DC desde que el grupo arribó ruidosamente a la escena del espectáculo allá por 1973. Hechos de dinamita pura (o de T.N.T, si es que el lector considera al término más oportuno) Y un traje de colegial para su hermano Angus, claro.

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MALCOLM, EL TODO Y LAS PARTES. Pocos músicos de rock tuvieron el destacado honor de lograr la condecoración de riffmasters (“maestros del riff”) como el pequeño gran Malcolm pudo plasmar en su instrumento. Tal vez sobren los dedos de una mano, sólo quizás. Keith Richards, Tony Iommi y algún que otro más que ahora no me viene a la cabeza. Tampoco es que sienta muchas ganas de ponerme a recordarlos tras el estupor causado por la reciente muerte de uno de los ocho hermanos de la camada Young a la que pertenecen. A pesar de su extensa carrera, Malcolm podría ser considerado el último que llegó a alcanzar a un podio tan prodigioso. Porque si su hermano Angus resulta ser la cara más visible de la banda, estéticamente hablando, Malcolm, el hombre pequeño que casi pasaba desapercibido en escena, escudado en su enorme guitarra Gretsch G6131 (más popularmente conocida como Jet Firebird), termina siendo el alma y corazón de una de las bandas más fundamentales del género. Una vieja gacetilla de Atlantic Records, la discográfica a la que históricamente pertenecieron los Young y Cía., lanzada en los primeros años de carrera del eléctrico combo, no titubeó en presentarlo ante la prensa como “no sólo un gran guitarrista y compositor de canciones, sino también alguien con una visión: Malcolm es quien planifica todo en AC/DC. Y también es el tipo tranquilo de la banda, profundo e intensivamente consciente de todo”.

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AC/CB (CHUCK BERRY). Digámoslo así: si Malcolm hubiera nacido 20 años antes, y no aquel 6 de enero de 1953 (más precisamente en Glasgow, Escocia), su capacidad creativa -pendenciera, honestamente cruda, y llena de originalidad- lo hubiera puesto a la altura de quienes siempre habían sido sus ídolos musicales: Chuck Berry, Jerry Lee Lewis, Little Richard, o los músicos de blues del Delta. Que por esa vueltas de la vida (y sólo porque tocaban muy fuerte, o porque más tarde coincidieran con la época en que la escena del rock marchaba a paso firme a lo largo y ancho del planeta) AC/DC haya sido considerado un “grupo de hard rock”, o incluso “de heavy”, más allá del disparate, responde meramente a un error técnico. AC/DC es Chuck Berry enchufado a mil voltios, con sendos toques de blues no menos electrificados, y con una pared de Marshalls para sostener la descarga. Títulos como “Dirty Deeds Done Dirt Cheap”, “Let There Be Rock”, “Highway To Hell”, “Back in Black, “Whole Lotta Rosie, “Riff Raff”, “High Voltage”, “That’s The Way I Wanna Rock’n’Roll”, “Live Wire”, “Thunderstruck”… en fin, simplemente estamos hablando de todos esos riffs irremplazables que salieron de las manos del pequeño diablillo detrás de AC/DC, para terminar convirtiéndose en himnos del rock en su exacta medida. “Bueno, los grupos de rock realmente no tienen swing, apuntó cierta vez. “Pero el rock’n’roll sí lo tiene. Lo que pasa es que las bandas no comprenden eso del sentimiento, del movimiento…”

EL NEGRO LES SIENTA BIEN. Como a muchos que promedian la edad de quien aquí escribe, a mí me tocó descubrir a los australianos gracias al álbum “Back In Black”. Para entonces, algún que otro video del disco ya había logrado colarse en los pocos, qué digo, escasísimos espacios de la televisión local allá por 1980. Estaba el de “Hell’s Bells”, y el del que le daba título al disco… A decir verdad, esos dos enanos que se sacudían espásticamente sobre el escenario me tuvieron obsesionado durante un buen tiempo. Estaban las fotos que aparecían en las revistas, claro, pero no alcanzaba. Por tal motivo hubo una mañana de sábado de ese mismo año en que me tomé el colectivo, me bajé en Paraguay y Florid, y me dirigí a una disquería de importados que estaba en la Galería Del Sol para hacerme del LP, recién llegadito del exterior. ¿Qué era esa tapa negra y por qué motivo las letras que aparecían sobre ésta eran del mismo color, casi ilegibles? Todo pasó a segundo plano desde que puse el disco en casa por primera vez, aún cuando no tenía mejor equipamiento para reproducirlo que el viejo tocadiscos Winco de la familia (con un solo parlante incrustado en el mismísimo aparto, y sin siquiera parlantes exteriores). Pero nada podía impedir que lo salía de allí fuera encantador: a mí me encantaba ese sonido. Los chirridos de Brian Johnson todavía no habían llegado a perturbarme tanto como lo lograrían con el correr de los años (paralelamente sin nunca dejar de lamentar la muerte del gran Bon Scott, la primera baja en la historia de la banda), pero uno pagaba el precio que tenía que pagar con la condición de poder disfrutar de aquellos mágicos riffs de los hermanos Young, que no paraban de embrujarme. Algunos años más tarde tendríamos la posibilidad de ir al cine a ver “Let There Be Rock”, así saldando el recóndito deseo de poder verlos en vivo, si bien en una pantalla, mucho antes de su desembarco en vivo y en directo en el país décadas después.

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GUITARRA, VAS A LLORAR. Malcolm Young no necesitaba morirse para convertirse en músico “de culto”. Su importancia es tal que ya se había ganado los laureles en vida. Ni siquiera su problemas de salud que fueron de la adicción al alcohol hasta la demencia, situación que lo obligó a abandonar la banda hace algo más de 3 años, hubieran logrado impedir la distinción. Nos quedamos sin el chico de la remera sin mangas, el de los eternos pantalones gastados, y hay una guitarra Gretsch G6131, la misma de la cual salieron algunos de los mejores riffs de la historia del rock and roll, que llora desconsoladamente porque su dueño no va a poder volver a tocarla.

ENTREVISTA: LZZY HALE DE HALESTORM: “CANTO PARA QUIEN SEA, PORQUE ES LO QUE MÁS AMO HACER”

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Publicado en Revista Madhouse el 9 de septiembre de 2016

Halestorm se suma a la grilla de bandas que formará parte del Maximus Festival a desarrollarse el próximo sábado en Ciudad Del Rock. En comunicación telefónica desde Youngstown, Ohio, hablamos con la cantante y guitarrista Lzzy Hale para que nos adelante detalles sobre la presentación de la banda.

¡Hola Lzzy! Me informaron que sólo tenemos 15 minutos para hacer la entrevista, así que mejor apurémonos. Pero si querés extenderla un poco, para mí no sería ningún problema…
(Risas) ¡OK!

¿Cómo es ser parte de una banda que incluye a dos hermanos? Sabemos que a través de la historia, fuera de lo musical, muchos grupos así han tenido problemas de convivencia, como fue el caso de los Kinks, o más recientemente, Oasis.

Pienso que, siendo hermano y hermana -y no creo que sea un tema de género-, siempre fuimos muy respetuosos con lo que uno le brindó al otro, por lo que nunca hubo nada solapado entre nosotros. Siempre tuve una relación muy amigable con mi hermanito en el escenario, nunca se trató de quién obtiene más atención, ni nada de eso… si bien a él le toca estar en la batería (Risas)

¿Entonces no existe ningún tipo de competencia?
Para nada, hemos convivido pacíficamente por casi 19 años y jamás peleamos. Siempre fuimos muy abiertos y honestos mutuamente. Desde ya, nunca falta el “¿por qué te paraste ahí?” o el “esa era la nota equivocada” de ocasión, pero jamás nos peleamos.

GIRA QUE TE GIRA
Halestorm tiene fama de ser una banda que afronta interminables giras, como la que están haciendo ahora. ¿De donde sacan la energía y el entusiasmo para estar de gira la mayor parte del año?
Realmente no lo sé. Todo lo que sé es que tenemos la necesidad de hacer un show de rock y que siempre nos encargamos de descansar entre giras, para así poder descomprimirnos. Tiene que ver con tocar frente al público, algo que siempre ha sido un amor muy personal para mí. Por lo que nos encanta hacerlo. Si fuera por mí, no pararía, pero siempre llega un momento en que alguien viene y nos dice “vamos, hay que dejar el escenario”

Ya tocaron en Argentina en 2013. ¿Qué es lo que recuerdan particularmente de aquella experiencia? ¿Notan alguna característica distintiva en el público sudamericano?

Los fans sudamericanos son de una clase especial. La primera vez que fuimos allí, sinceramente no sabíamos qué esperar. Considerando que fue nuestra primera vez, hubo tanta pasión de parte de los fans… Gente merodeando en los hoteles en que parábamos, o esperándonos en los aeropuertos, largas colas en los shows. Todo eso nos hizo sentir muy humildes, jamás esperábamos tanta gente… Hay algo que nunca voy a olvidar y es que al día de hoy, una de las más fuertes experiencias que alguna vez tuve sobre un escenario, fue la de ver al público tan involucrado en los shows, algo que no ves en los EE.UU. ni tampoco en Europa. ¡Todo el mundo cantaba cada una de las canciones!

Así, de la nada.
Exacto. ¡Fue algo increíble! Jamás lo olvidaré, y estoy absolutamente agradecida por todo eso.

Muchas gracias, es que somos de sangre muy caliente, tal vez esa sea la razón.
Sí, muy pasionales.

HEMOS TOCADO EN LUGARES CON DOS PERSONAS Y EN OTROS CON 70.000. CANTO PARA QUIEN SEA, PORQUE ES LO QUE MÁS AMO HACER.

También estuvieron en otros países sudamericanos, y en el Rock In Rio 2015. ¿Les parece que las audiencias fuera de EE.UU. resultan mejor mercado que las estadounidenses?
No sé si son mejores o peores, pero sí que son diferentes. Para nosotros, cada vez que tenemos que hacer un show, nos resulta una mejor oportunidad para probar al público, en lugar de lo que hacemos en los EE.UU. o incluso en algunos lugares de Europa. Siempre depende de ciertos momentos, se trata de sentir la energía que viene de ellos. En Sudamérica, la energía ya está ahí. Lo que nos permite ir un poco más allá de nuestro listado de canciones original. Se trata de pasar un buen momento, y de todos modos sabemos que eso es lo que va a pasar. Sea como fuere la vas a pasar grandiosamente. Y hasta diría que significa menos presión, porque todos los que estamos allí es por la misma razón, por el mismo tipo de energía.

Teniendo en cuenta la vocación de la banda por las giras, y ante los sucesos ocurridos recientemente en Francia con la masacre en el show de Eagles of Death Metal, ¿esto influye de alguna manera en las decisiones que el grupo toma al salir de gira?
Personalmente, y también en esto coincidimos con la banda, creo que no se puede vivir con ese miedo, porque es algo que puede suceder en cualquier parte. No se trata de algo que pueda pasar particularmente en Europa o en los EE.UU. Ese tipo de locura puede ocurrir donde sea. Nunca hemos cambiado nada, jamás nos dijimos “no vamos a ir ahí porque sucedió tal cosa”. Siempre vamos a volver a esos lugares. Lo único que cambió, diría, es que ahora tenemos un plan secundario. Cada vez que vamos a un lugar, nos aseguramos previamente de saber dónde quedan las salidas, y si algo llegara a ocurrir ya tenemos un plan, ya sabemos dónde queda la salida izquierda… Nunca nos ponemos a pensar en eso, porque realmente te puede afectar los nervios.

EL LADO SALVAJE
“Into The Wild Life” ha tenido muy buenas críticas. ¿Qué hace a este álbum tan especial y distinto de los anteriores? ¿Puede haber influido el hecho de haberlo grabado en la ciudad de Nashville?
Absolutamente. Siempre fuimos el tipo de banda que está abierta a las influencias que puedan darse en cualquier situación. Salir de Los Angeles fue un gran paso para asegurarnos que el álbum iba a ser diferente al anterior. Y en segundo lugar, este álbum fue grabado totalmente en vivo en estudios, con todos los músicos juntos en la misma sala. Para el disco anterior, cada uno había grabado sus partes por separado. Por lo que esta vez no se trató solamente de energía, fue más que nada una cuestión de camaradería. Y esta vez tampoco trabajamos con diferentes productores. Lo simplificamos muchísimo. Experimentamos con las canciones día a día. En comparación a lo que habíamos hecho en el primero y el segundo disco, cambiamos todo, y empezamos éste con una mentalidad diferente. Probablemente hagamos lo mismo con el próximo.

COMO MÚSICOS, SIEMPRE NOS GUSTA EXPERIMENTAR. SI NO DISFRUTAMOS DE LA MÚSICA QUE GRABAMOS, SE VA A NOTAR EN EL DISCO.

Entre 2011 y 2013 lanzaron dos EPs distintos de covers, que incluían canciones de los Beatles, GN’R, Lady Gaga, Judas Priest, AC/DC, Pat Benatar, Daft Punk, etc. ¿Les resultó difícil decidir qué versiones hacer?
Quisimos hacer algo divertido, o por lo menos que signifique algún tipo de desafío. Pero tuvimos que acortar la lista original. Y hubo momentos en que, cuando veíamos los títulos de las canciones, o los nombres de los artistas, me decía “Oh Dios mío, ¿cómo vamos a hacer esto?” (Risas). Se trató más que nada de sugerencias de gente cercana a nosotros, o de miembros de nuestra familia. De hecho ahora también estamos en el proceso de acortar el listado para las que van a ir en nuestro próximo EP.

¿El próximo EP también va a ser de versiones?
Sí. Definitivamente va a ser de covers.

Si bien el rock es protagonista del álbum “Into The Wild Life”, también hay blues y pop y country. ¿Cómo fue el proceso de abrir las puertas a estas influencias?
Tenemos la mentalidad de que si algo es bueno, lo es. Escuchamos todo tipo de música. Ahora estoy viviendo en Nashville, donde hay una escena de hard rock, otra de pop, también una extraña ola de punk metálico under, por lo que fuimos inspirados por un montón de estilos. No es algo que hagamos a propósito, pero de alguna forma resultó de esa manera.

Digámoslo así, se dejan llevar por la corriente…
Es muy así. Lo que fuera que es bueno, nos gusta.

Esto de incluir pop, country, etc., ¿afecta el clásico sonido hard rock de Halestorm? ¿Qué comentarios han tenido de su público al respecto? ¿Hubo fans que salieran a criticarlos?
Algunos sí lo hicieron. Esta vez no quisimos que suene tan crudo, queríamos evitar lo que yo llamaría “la pared de guitarras” en el sonido, y que entonces se aleje de lo que podría ser el sonido en vivo. algunas personas lo consideraron un álbum más suave, mientras que otros pensaron que fue un gran avance. Como músicos, siempre nos gusta experimentar. Si no disfrutamos de la música que grabamos, se va a notar en el disco. El resultado final tiene que ser el de un álbum que compraríamos, como bueno fans de la música que somos.

LA MÚSICA ES LO MAXIMUS
Van a estar en un festival con grandes nombres como Marilyn Manson, Bullet For My Valentine, Disturbed, Rammstein… ¿les gusta tocar en grandes eventos o prefieren conciertos donde tengan mayor contacto con el público?
Me gustan ambos, pero por razones diferentes. La diferencia, desde ya, tiene que ver con el nivel de intimidad. Siempre trato de relacionarme más personalmente con la gente, porque es lo que más amo hacer cuando estoy sobre un escenario, pero de todas formas es como si fuera que la totalidad de la audiencia es un monstruo gigante, sabés. Es una gran bestia a la que tenés que entretener, o domar, depende del show. Pero con los lugares chicos, es más como cantar individualmente para cada una de las personas, y también amo eso. Creéme, hemos tocado en lugares con dos personas y en otros con 70.000. Canto para quien sea, porque es lo que más amo hacer.

Y aún así te divertiste.
Aún me divertí, sí, pero ambas situaciones resultan totalmente diferentes.

¿Están felices de poder participar del Maximus Festival junto a las otras bandas que los van a estar acompañando?
Por supuesto. Soy una gran fan de Disturbed, lo he sido desde que aparecieron, Y en cuanto a Rammstein, te lo digo así, si nunca los viste en vivo, tenés que hacerlo. Es el show más grande que una banda pueda hacer. Superan a cualquier banda de los 80. Son increíbles. ¡Qué show! Todo eso me tiene muy excitada. Como te dije, soy una gran fan de la música.

ENTREVISTA: “TOCAR ES ALGO TERAPÉUTICO”, DICE DAN DONEGAN DE DISTURBED

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Publicado en Revista Madhouse el 7 de septiembre de 2016

En charla telefónica desde Toronto, Canadá, y a pocos días de presentarse como parte del Maximus Festival que se llevará a cabo este sábado en Ciudad De Rock, previo paso por Sao Paulo, hablamos con Dan Donegan, guitarrista de Disturbed, que tras cinco años sin pisar nuestras pampas anuncian un nuevo arribo al país de la mano de su último disco de estudio, “Immortalized”. Será Metal o no será nada.

Empezando de adelante hacia atrás, ¿en qué anda la banda? ¿Qué es lo que han estado haciendo últimamente?

Básicamente este año estuvimos muchísimo de gira. En este momento estamos haciendo un tour junto a Breaking Benjamin, Alter Bridge y Saint Asonia. Empezamos hace sólo dos semanas, pero estuvo genial. Grandes bandas, grandes tipos. Ocasionalmente, a veces algunos de ellos se nos unen en el escenario para hacer algo juntos, y estamos tocando generalmente en grandes anfiteatros al aire libre. Es una gira por EE.UU., pero también incluye algunos shows en Canadá, de hecho anoche tocamos en Montreal.

Vuelven al país como parte del cartel del Maximus Festival, que también incluye bandas como Rammstein, Marilyn Manson, Hellyeah, Bullet For My Valentine, etc. ¿Les gusta tocar con bandas de estilos similares? ¿O formarían parte de  un festival más ecléctico, tipo Woodstock, con bandas de otro tipo?
Yo toco donde sea y cuando sea, no me importa quién más esté formando parte del concierto, pero sí, generalmente siempre es con otras bandas de hard rock, con las que somos amigos, por lo que no existe competencia entre nosotros. Todo lo que uno quiere es salir a tocar y que sea un momento memorable para tu propia banda. Es todo lo que el mundo quiere, y somos todos parte del mismo juego. En unos días vamos a formar parte del Maximus Festival en Sudamérica que mencionaste, y todo lo que tenemos para dar es mucha energía, y así los fans van a poder experimentar grandes performances.Personalmente y como músico, ¿te sentís más cómodo en los festivales multitudinarios o preferís los conciertos en salas más pequeñas? ¿Cómo se prepara la banda en ambos casos?
Me gusta que sea variado. Desde ya, es fantástico tocar para decenas de miles de personas en festivales, pero el punto es que nos gusta sentir la energía del público, poder oír sus voces y sentir lo salvajes que pueden ser, por lo que siempre intentamos tocar para la mayor cantidad posible de gente. Eso es buenísimo. Y cuando tocamos en clubes, me encanta que el ambiente sea caliente y sudoroso, y estar bien cerca de los fans, y lograr contacto visual. No somos el tipo de banda que sale a escena sólo para hacer sus canciones, nos encanta que la audiencia se involucre y sea parte del show. Nos gusta que se incorporen y compartan momentos con nosotros. Amo conectarme con ellos, y ver cómo los afecta la música.

Lo que es casi imposible de lograr frente a 50.000 personas, o más…
Es verdad, se hace difícil con las barricadas, y todo eso. Siempre nos gusta estar cerca y que nos choquen las manos, y poder conectarnos así. Son siempre grandes momentos. Lo sabemos desde que éramos chicos. Yo era ese pibe en la multitud que estaba viendo mis bandas favoritas, y siempre quería tener esos momentos con los artistas que iba a ver.
TENEMOS LA SUERTE DE CONTAR CON UNA CARRERA QUE DURÓ MUCHÍSIMO. Y ADEMÁS PODER SENTIR QUE ESA CARRERA CONTINÚA CRECIENDO.
 
LAS RAÍCES DE DAN
Ya que estamos, ¿cuáles eran esas bandas favoritas que ibas a ver?

Pantera, Metallica, Aerosmith, Van Halen, básicamente cualquiera de las que venía a mi ciudad, si es que yo podía estar justo en ese concierto. Y siempre esperaba que ellos se den cuenta cuánto significaba para mí su música. Nos gusta verles las caras, y que al mismo tiempo se den cuenta que los estamos reconociendo. Y eso es algo que viene pasando hace rato. Los fans saben cuánto nos importan. Y de no ser por ellos, no podríamos estar haciendo esto.

¿Ibas a ver solamente bandas de Metal y de hard rock, o también de otros estilos?

No, me gusta de todo. Siempre aprecié el buen entretenimiento y la buena musicalidad. Si bien lo mío es el rock pesado, siempre que pude iba a ver a Fleetwood Mac. Música y armonías increíbles. Lindsey Buckingham es un guitarrista grandioso. Admiro a bandas así, que lo estuvieron haciendo durante décadas.

¿Sos fan del rock clásico americano?

Tal cual. Puedo ir tranquilamente a ver bandas así. Incluso una vez tocamos con Foreigner como parte de un festival, si bien ya no están todos los miembros originales.

Como Mick Jones, que ya no forma parte del grupo…

No está más, pero está Jeff Pilson de Dokken, si bien es una formación nueva. Siempre fueron una gran banda de rock, con todos esos himnos que tocaban. Es el tipo de canciones que escuchaba cuando era chico.

Al día de la fecha las bandas que aún llenan estadios por sí solas son los aquellas consideradas “dinosaurios”: AC/DC, Kiss, Guns N’Roses, los Stones, Metallica, McCartney. ¿Por qué pensás que esto no pasa con las bandas más actuales? ¿Pensás que el futuro del rock está en los grandes festivales multitudinarios con muchas bandas y artistas, como es el caso del Lollapalooza, entre otros?

No lo sé. Veo que viene mucha gente a nuestros conciertos. Sé que paramos durante casi cuatro años, y al mismo tiempo existe un nuevo nivel de excitación de nuestros fans para vernos nuevamente. Respecto a esas grandes bandas que mencionaste, siempre han resistido el paso del tiempo. Y me parece genial que le den a sus admiradores la chance de seguir disfrutando de lo que habían descubierto 30 o 40 años atrás.

¡O 50!
Correcto, ¡y es una gran oportunidad! En cuanto a nosotros, cumplimos nuestro vigésimo aniversario como banda la semana pasada, y cuando pienso en eso me digo “¡Dios mío, no puedo creer que hayan pasado veinte años!”. Tenemos la fortuna de seguir. A veces es difícil mantenerse relevante dentro del negocio de la música por no más de uno o dos discos, y el haberlo estado haciendo durante dos décadas, y con shows que cada vez son más grandes, es genial. Tenemos la suerte de contar con una carrera que duró muchísimo. Y además poder sentir que esa carrera continúa creciendo.UN CANTO A LA ARGENTINA
Ya estuvieron en Argentina en 2011. ¿Te quedó algún recuerdo en particular de aquel concierto, y del público?
Sí, y es que eran realmente ruidosos. Que eran grandiosos, y que cantaban todo el tiempo. Una de las cosas que nunca olvido, y que me da escalofríos cada vez que lo recuerdo, es de una vez que tuvimos un problema técnico con la electricidad del lugar mientras tocábamos. Estábamos haciendo nuestra canción “Inside The Fire”, y la electricidad se cortó completamente en el momento de mi solo de guitarra, y los fans lo cantaron hasta la última nota, ellos se encargaron de reemplazar el solo comletamente. ¡Fue tan imponente que nos hayan ayudado! Es una de las mejores cosas que me pasaron, uno de los mejores momentos que viví.

Algo así como “OK, se cortó la electricidad? No importa, aquí estamos”, ¿verdad?

Más allá de que canten ese solo fue su oportunidad de poder cantar al unísono. Y me encanta eso de que sean los sudamericanos los que comenzaron con el cantito de “olé olé olé”, que hoy se escucha en todas partes. “¡Olé olé olé olé, Dis-turbed, Dis-turbed!”… Lo escuchamos en todos lados, pero empezó allí.

Sí, es algo muy clásico, y que viene del fútbol.

Sé que es algo universal, pero el “olé” de Disturbed comenzó allí. Y es genial que ahora podamos tener ese cantito con nuestro público, donde sea que toquemos.

¿Tienen ocasión de tomar contacto con el país que les toque visitar cuando viajan, y con la gente?

Desde ya, de hecho al llegar a cualquier aeropuerto siempre nos encontramos con fans que quieran sacarse fotos con nosotros, o darnos la mano. Siempre fuimos muy personales, y si se da que tenemos una noche libre en una ciudad, nos gusta salir y conocer gente. Es lo que hicimos siempre, aún cuando estuvimos sin tocar. Nuestros fans nos dieron una vida increíble, y siempre fueron muy leales, por lo que nos sentimos como si fuéramos familiares suyos. Incluso somos muy de hablar de cosas que nos pasan en nuestras vidas, más allás de lo que tenga que ver estrictamente con la banda, y las publicamos en las redes sociales. Queremos conocerlos. “Mi hijo nació tal día…” y cosas por el estilo.

Luego de los tristes sucesos acontecidos a fines del año pasado en Francia, más precisamente la masacre terrorista en el concierto de Eagles Of Death Metal, ¿consideran más este potencial peligro al salir de gira? ¿Qué pasa con las demás bandas en EE.UU.? ¿Hablaron con colegas al respecto?

No es que lo hayamos discutido con otras bandas, pero sí lo hicimos entre nosotros, o con nuestro management. Es terrible ver que ocurran tantos actos terroristas, realmente me rompe el corazón. ¿A qué ha llegado la humanidad? O mejor dicho, la falta de humanidad…  Eso sí, no vamos a vivir con miedo. Es lo que los terroristas quieren. Quieren que tengamos miedo y que eso nos impida hacer cosas. La música siempre fue algo terapéutico para todo el mundo, y no nos vamos a alejar de eso. Es lo que siempre quisimos hacer, y es por eso que hacemos música. Nos ayuda con las emociones. Tocar es algo terapéutico. Por ejemplo, hace unos años hubo un gran terremoto en Nueva Zelanda, y nosotros fuimos la primer banda de rock en volver a tocar allí después del desastre. Los fans necesitaban algo para poder sobrellevar la vida y lidiar con la destrucción de su ciudad, y les dimos esperanza, al menos por esa noche. No vamos a salir corriendo por causa de los terroristas, siempre tendremos esperanza que la seguridad funcione. Y que la gente esté atenta y se cuiden entre ellos.

JUNTOS Y POR SEPARADO
Volviendo a la banda, en 2011 anunciaron una pausa por tiempo indefinido, en el cual aprovecharon para encarar diversos proyectos por separado, como Kiss en 1978… ¿Cómo fue que tomaron esta decisión, que podría calificarse de inusual? ¿Tenían un plan de separarse temporalmente y volverse a reunir tiempo después, o fue todo espontáneo?

Realmente nunca nos pusimos una fecha. Después de 11 o 12 años, pensamos que iba a ser mejor tomarnos un descanso, y que también lo puedan tener los fans. Explorar otras cosas. Volver a casa, pasar tiempos con nuestros hijos y familias. David se casó y poco después tuvo su primer hijo. Yo estuve entrenando a mi hijo para su equipo de fútbol americano que, ya que estamos, te cuento que le fue muy bien… Fue regresar a nuestros hogares y ser gente común, vivir una vida normal. Y artísticamente nos dio la posibilidad de mejorar como músicos en otras áreas. Mike y yo formamos una banda llamada Fight Or Flight, con la que editamos un álbum, y también salimos un poco de gira.

Precisamente estaba por preguntarte sobre Fight Or Flight, en el que contaste con tu compañero de banda Mike Wengren en batería (N.: más Jeremy Jayson en guitarra, Dan Chandler en voz y Sean Corcoran en bajo) ¿Cómo fue la aventura de grabar el álbum “A Life By Design” ?  ¿En qué considerás que tu proyecto se diferencia de lo que solés hacer con Disturbed?

Bueno, por empezar la idea no era hacer un álbum de Disturbed con un cantante diferente. Queríamos hacer un álbum de rock. Yo estaba escribiendo con un cantante llamado Dan Chandler, de la banda Evans Blue. Nos habíamos puesto a escribir canciones sin saber cuáles eran nuestras intenciones. Necesitaba alguien con quien hacerlo. Nos propusimos un desafío, que fue el de hacer rock más directo, y ver quién iba a encargarse de la primera voz, y de los coros. Algo que no solemos hacer muy seguido con Disturbed. Por lo que dejar de tocar por un tiempo nos hizo mejores músicos, fue encarar ese desafío, como dije anteriormente, y así poder expandirnos. Todo eso mejoró nuestra confianza y nuestras habilidades vocales, y trajo cosas nuevas a la mesa de Disturbed.

LA MÚSICA SIEMPRE FUE ALGO TERAPÉUTICO PARA TODO EL MUNDO, Y NO NOS VAMOS A ALEJAR DE ESO. ES LO QUE SIEMPRE QUISIMOS HACER, Y ES POR ESO QUE HACEMOS MÚSICA. NOS AYUDA CON LAS EMOCIONES.
 
¿Qué te parecieron los proyectos de tus otros compañeros de banda?  (N. El cantante Dave Draiman armó Device, y el bajista John Moyer lo hizo con Art Of Anarchy, o con Adrenaline Mob)

David es un gran compositor de canciones. Personalmente me hubiera gustado que haya hecho algo más diferente. Creo que el disco fue bueno. Es un tipo muy talentoso y siempre seré su fan, pero estilísticamente me gustaría verlo hacer algo que vaya un poco más allá de lo que hace en Disturbed. Sé lo que podría hacer, tiene muchas facetas. Podría ser más experimental, pero creo que se sintió cómodo con Device. En cuanto a John, hizo Adrenaline Mob junto a grandes músicos, como Mike Portnoy, uno de los mejores bateristas que existen, y también hizo algo muy interesante con Geoff Tate de Queensrÿche. Siempre se mantuvo ocupado. También produjo algunas bandas. Para el momento que Disturbed regresó, todos teníamos nuevas cosas para aportar, experiencias nuevas que vivimos durante esos años, lo que nos convirtió en una banda mejor.

¿Cómo fue el regreso a Disturbed luego de esta pausa? ¿No les inquietaba pensar que la gente pudiera haberse distanciado del grupo luego de todo ese tiempo que estuvieron sin tocar como banda?

Volvimos con toda la confianza, y sabíamos que íbamos a terminar haciendo el mejor álbum posible. Nuestros fans siempre fueron muy dedicados, y sabíamos que iban a a estar esperándonos. Queríamos sorprenderlos, pero sin anunciar que estábamos por hacer un disco nuevo. Queríamos mantenerlo en secreto hasta que lanzáramos el primer single del álbum, y darles a entender que había todo un disco nuevo grabado, y que estaba listo para ser editado.

OÍD INMORTALES EL DISCO SAGRADO
“Immortalized” es un álbum del cual puede decirse que cumplió con las expectativas y estuvo a esa altura a la que hacés referencia. ¿Creés que la pausa de alguna manera los enriqueció?

Estar distanciados y volver nos hizo apreciar aún más a la banda, y también más entre nosotros.

Como la mayoría de las separaciones momentáneas, que pueden resultar siendo muy saludables…

Es verdad, siempre lo comparo con formar parte de un matrimonio. Podés estar muy cómodo o no con esa relación, entonces te separás un tiempo para darte cuenta de la importancia del otro, y la química entre ambos.

En el principio Uds. trabajaban todos juntos en Chicago, luego se mudaron a estados diferentes. ¿Hubo una decisión deliberada de volver a trabajar conjuntamente en un mismo lugar para este álbum?

La tecnología es maravillosa, nos permite enviarnos emails y archivos entre nosotros, pero esta vez nos dimos cuenta que necesitábamos estar todos en la misma sala. Precisábamos improvisar ideas, capturar ese momento estando juntos, y no enviándonos mensajes de correo. Queríamos volver a ser una banda, por lo que hicimos el esfuerzo consciente de volar más seguido para visitarnos. Yo iba a Austin, Texas, donde vive David, y pasaba tiempo en su casa. O él venía a Chicago a visitarme a mí. Porque cuando escribo un riff, tengo que verles la cara a los otros para ver cómo reaccionan.

Aquello de codearse…
¡Exacto! Y nos dimos cuenta de que es el mejor sistema, el que nos da mejores resultados. Y además es la forma en que lo hacíamos al principio. Teníamos que volver a hacer ese esfuerzo.

¿Cómo fue trabajar con el productor Kevin Churko (N. Ozzy Osbourne, Five Finger Death Punch)? ¿Cuál considerás que fue su mejor aporte o colaboración al sonido del grupo, teniendo además en cuenta que “Immortalized” tenía que tener éxito?

Lo único que queríamos era trabajar con alguien que respetáramos, del que admiráramos el trabajo que había hecho con otros. Y que aportara más oídos para brindar una idea, o una opinión. “OK, eso suena bien, pero por qué no intentás esto, o lo otro…” Kevin fue como un miembro más en el grupo. Y fue grandioso. Un músico completo, por lo que estaba lleno de sugerencias. Él es básicamente baterista, pero también puede tocar guitarra, bajo o piano, y aparte sabe de teoría musical.

CREO QUE SOMOS HONESTOS. ESCRIBIMOS SOBRE EXPERIENCIAS VIVIDAS. NO SE TRATA SIMPLEMENTE DE PALABRAS QUE LLENEN ESPACIOS. COSAS QUE NOS APASIONAN, SEAN SOBRE RELIGIÓN, POLÍTICA O RELACIONES.
 
En el disco aparece una versión de “The Sound Of Silence”, de Simon and Garfunkel. ¿De dónde vino la idea de grabarla?

Habíamos estado pensando en qué cover hacer esta vez, y nos dijimos “busquemos más profundamente”. Ya habíamos hecho cosas de los ochenta. Y un día vino Mike, nuestro baterista, y la propuso. Era una gran elección a nivel letra y una canción brillante, desde ya. Queríamos experimentar con ella, pero no de una manera predecible y que sea simplemente una canción heavy, que es lo que la gente iba a suponer que haríamos. Proponernos otro tipo de desafío.

Lo que resultó muy interesante. Creo que está muy bien hecha.

Gracias. Queríamos que tenga ese estilo de Disturbed, pero con el agregado de la parte orquestada. Los violines, el violoncello, la guitarra acústica… buscábamos que sea mejor música, y que eso fuerce a David a hacer vocalmente algo que los fans no hayan escuchado antes. Y logró una performance vocal grandiosa. Creo que hasta él mismo se sorprendió de lo conseguido, tras haber logrado la confianza para hacerlo.

TODAS LAS LUCES TODAS
Volviendo al show en Argentina, ¿van a presentar exclusivamente material de “Immortalized” o también van a incluir algún tema de los proyectos solistas?

No va a haber nada de los proyectos en solitario, sólo canciones de Disturbed, pero hacemos una muy buena mezcla de todos los álbumes, de la mejor manera posible. A veces buceamos en nuestro catálogo y tocamos algo que tal vez no hicimos en doce, trece o catorce años. Nos resulta muy divertido hacerlo. Pero nada de los discos que hicimos individualmente, definitivamente.

¿Cómo definirías hoy la música y la propuesta de Disturbed, en un panorama con tantas bandas del mismo estilo? ¿Qué tienen que nadie más tenga?

No quiero decir que otros artistas no tengan algo, porque probablemente sí tengan algo diferente para ofrecer también.

Bueno, es que fue una pregunta con truco…

¡OK! (Risas) Creo que somos honestos. Escribimos sobre experiencias vividas. No se trata simplemente de palabras que llenen espacios. Cosas que nos apasionan, sean sobre religión, política o relaciones. Vienen del corazón, y creo que cuando sos honesto, resulta terapéutico. Cuando escribimos sobre cosas así, nos damos cuenta que los fans también se relacionan con ellas, porque son las mismas experiencias. Creo que el poder conectarse con todo eso es la clave de nuestro suceso.

Bueno, por mi parte es todo, si hay algo más quieras agregar…

Gracias. Realmente estoy muy feliz de poder volver. Tuvimos una gran experiencia la última vez que estuvimos allí, y estamos muy excitados de poder regresar y tocar en un evento mayor, con mayor cantidad de público y más energía.

Espero que esta vez no haya cortes de luz. Y de ser así, ya sabés que siempre va a haber alguien para ayudarlos.
¡Yeah! (Risas) ¡Muchas gracias!